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Vinilos en red

sábado, 25 de diciembre de 2010


INTERNET Y LAS NUEVAS PLATAFORMAS MUSICALES
Las netlabels en el Perú


Hoy en día Internet nos soluciona muchas cosas: la distancia, el tiempo y el dinero. Muchas plataformas virtuales se vuelven necesarias en nuestra rutina, pero pocas veces nos hemos detenido a pensar sobre la música que descargamos -gratuita en muchos casos- o en las agrupaciones nuevas y experimentales que no encuentran cabida en las grandes disqueras. En estos casos surgen espacios alternativos: las netlabels o sellos en red.

-Por Eibby Rosillo-
 


Oído a la música

Novedosa portada web de la 
Netlabel de Aloardi (www.aloardi.net)
Resulta complicado definir qué es una netlabel debido a su condición cambiante, la cual la obliga a replantearla constantemente. Sin embargo, podemos acercarnos a una definición práctica: un sello que produce, expone y permite la descarga gratuita de música -por lo general experimental, electrónica o rock-, bajo la licencia de Creative Commons (el famoso copyleft, donde no se paga derechos de autor, pero sí existen determinadas obligaciones con el material y su reproducción), y que, por lo general, utilizan otras plataformas gratuitas que actúan como almacén de archivos digitales (una de ellas es archive.org). Algunas de las netlabels pueden producir discografía en soporte físico destinada a la venta, para así autogestionar el espacio en Internet.


Dorog Records: una entusiasta netlabel peruana





"Dpod". Reciente producción en
  fìsico de la Netlabel Dorog Record
Una de las netlabels que tuvo suceso en el medio fue la fenecida Internerds Recors, a cargo de la artista plástica Natalia Vásquez y el músico Iván Esquivel, funcionó desde el 2004 hasta el 2007, produciendo 16 discos en físico y se promocionaron junto con la revista de música Freak Out!, mientras que otras producciones también podían descargarse en su página. En el Perú actualmente existen pocos sellos en red definidos como tales: Aloardi, a cargo de Rolando Apolo, que trabaja con música experimental; el blog de música experimental Revolution Net-Label; Colectivo Auxiliar, que también realiza Vj instalaciones. En Ayacucho está Biophonics, desde Arequipa se incorporan A5IM’TRIA y en Lima, Dorog Records -sello independiente que produce música rock, pop, electrónica, fusiones, folk y experimental-. Este último apareció como un proyecto artístico en 2003, convirtiéndose formalmente en una netlabel recién a inicios de 2007, editando discos en formato digital y también algunos en soporte físico.

Giancarlo Samamé es el encargado de seleccionar, producir y promocionar a las agrupaciones que han tenido su paso por esta disquera, la cual cuenta con músicos peruanos, argentinos, colombianos y norteamericanos. También integra una agrupación musical llamada El Paso -junto a Eduardo Otayza y Gustavo Gamio- que está representada por el sello Dorog Records, cuenta ya con seis títulos discográficos en su haber, e incluye videos (Vj’s) en sus presentaciones en vivo.



"Elecciones Munisicales" de Dorog Records







Como proyecto artístico, Dorog Records colaboró con la revista Freak Out!, editando discos compactos para cada número e incluyendo a bandas y compositores jóvenes  nacional e internacional. Samamé nos cuenta cómo produce un disco digital: las agrupaciones musicales le envían un material casi siempre masterizado (última fase del proceso de grabación) y él debe seleccionar, como un curador, los proyectos con los que trabajará. Luego de este primer paso elabora el arte de la portada y contraportada, registra cada música en Creative Commons y las sube en archive.org, finalizando el trabajo con la exhibición del disco en la página de Dorog Records.


Otros espacios



Última producción de la netlabel Internerds Recors: 
Nerd.016: No hit wonder
Se observan muchos sitios web que producen contenido musical descargable y actúan como netlabels, pero no se definen como tales. Para esta edición sólo hemos mostrado algunos de ellos. Sin embargo, se presentan en festivales como el Pecha Kucha Night, donde diversos creadores muestran sus ideas de manera particular (cada participante dispone de 6:40 minutos para exponer veinte diapositivas en veinte segundos, y, al finalizar,  interactúan  con todos los asistentes). La última de este año se realizó la onceava edición (tercera de este año) del PKN el pasado 8 de diciembre en la plaza ISIL de Larcomar, mientras que el 18 del mismo mes se realizaró la III Feria de sellos independientes en el Centro Fundación Telefónica, en Lima. Eventos que constituyen una ventana alternativa para un público no especializado que desea acercarse a estas movidas porque permiten la interacción con los protagonistas de una innovadora plataforma virtual, como son los sellos musicales en red.


Agradecimientos:
Giancarlo Samamé, Agrupación El Paso, Nicolás Ortíz Esaine.

Más información sobre las netlabels:

Publicado en la 18ª edición de ArteCorpus

Cazando moscas

domingo, 22 de agosto de 2010

LA MOSCA EN LA CENIZA, SEGUNDO FILME DE GABRIELA DAVID (*)

Intentar etiquetar esta película entre cine de denuncia y ficción resultaría en vano. Es, sin embargo, descriptiva, psicológica y también, por qué no, simbólica. David nos envuelve en una película intensa captada a través de una mirada ingenua y pueril.
-Por Eibby Rosillo-
Laura Cáccamo (Nancy) y Paloma Contreras (Pato)

La intención que aborda David puede parecernos - para aquellos que no conocemos la realidad provinciana de Argentina- la imagen del ave fénix que renace de sus cenizas, y a pesar que el tema ha sido reutilizado en diversos géneros como el documental, serie televisiva, películas, cortos, entre otros, el particular enfoque utilizado en el guión es donde reside la verdadera esencia “critica” del film, la trama que se inicia con un paisaje del interior, un campo abierto cuya escenografía se cierra mientras avanza la película unida al desarrollo de los personajes y su construcción en la trama.

POR SI LAS MOSCAS

La sinopsis aplicada a esta película corresponde a la amistad de dos chicas: Nancy (María Laura Cáccamo, actriz de teatro que participa por primera vez en pantalla grande) y Pato –diminutivo de Patricia- encarnada por Paloma Contreras (con la actuación en un filme de Lucía Puenzo titulado “El niño pez”) que viven en la provincia de Misiones, región norte de Argentina y son engañadas por una banda dedicada a la trata de mujeres, llevándolas a Buenos Aires con el cuento de trabajar como domésticas, sin embargo resultan esclavizadas en un prostíbulo clandestino.

LA MOSCA, LA CENIZA Y EL AGUA

Con este experimento se inicia la trama y también desencadena la acción: el hecho de ahogar una mosca dentro de un vaso con agua con el objetivo de revivirla si se le echa ceniza. Figura simbólica que permite la lectura de más de un significado. Prefiero quedarme con el más sencilla, aquella que remite a la condición humana sometida a la desesperanza con una remota posibilidad - sólo una de diez, cien o mil- para escapar de ella.

Gabriela David. foto www.cinenacional.com
Considero que más allá de la amistad, es la ambición de Pato que mueve toda la trama de la película. Es ella la que se provee de un “buen futuro” a costa de Nancy, la manipula. En el prostíbulo, la pasividad e ingenuidad en la que nos sumergimos bajo la mirada de Nancy son nuevamente contrariados por el sentimentalismo que surge en Pato hacia su amiga, sin embargo el hecho de no mantener la coacción que ella misma acepta deviene en una fuga fallida – fuga sin Nancy- que desencadena en la voluntad insospechada de ésta por ubicar a Pato.

Lo atractivo sin embargo es la figura menuda e ingenua que interpreta Cáccamo, una voz pueril y una melena seductora, personaje que todo le sorprende, no analizar mucho, vive el presente y se adapta a una situación que consideramos inhumana con mucha facilidad sin cuestionarse el porqué. Se entiende que ha sido ultrajada desde niña y considera como una hermana a Pato, a quien crió y cuidó desde la infancia, iniciándose una extrapolación de roles al llegar a la adolescencia.

Cada una tiene un límite que se desarrollará de acuerdo a sus propios intereses. Límites (la ceniza) que modificarán sus estados de ánimos –de más está mencionar la música, la luz, el espacio, el vestuario, los primerísimos planos y objetos desenfocados que se mueven con ello- hasta el final de la película. La manera como Gabriela estructura el desenlace, bajo la mirada de un personaje como Nancy resultaría grotesco y redundante si se describía de otra manera.

La mosca en la ceniza es un film recomendado, buena actuación, buen guión, close up atinados y un ahorro de la escenografía que se articulan en la película. El soundtrack es capítulo aparte, escueto, acertado por momentos, sin muchas opciones pero que forman parte del leitmotiv fílmico. Esta película se presentó en el XIV Encuentro de Cine Latinoamericano en Lima, bajo la categoría de “Tesoros y secretos de Latinoamérica”.

(*) Gabriela David. (Buenos Aires, 1960) es guionista, productora y directora de cine. Estudio artes plásticas sin acabarlas pues se decidió por el cine desde 1978, comenzando como asistente de dirección. Ha realizado cuatro cortometrajes y dos largos: Taxi, un encuentro (2000) con el que ganó diversos festivales latinoamericanos y europeos; y La mosca en la ceniza, realizada el 2009 y presentada en diversos festivales argentinos como de Latinoamérica.



FICHA TÉCNICA
Intérpretes:
Luis Machín - Mozo José
Luciano Cáceres - Oscar
Cecilia Rossetto - Susana
María Laura Caccamo - Nancy
Paloma Contreras - Pato
Vera Carnevale - Rubia
Dalma Maradona - Inés "Vanesa"
Ailín Salas - Francisca "Denis"
Isabel Quinteros - Julia
Productor asociado: Pablo Bossi y Juan Pablo Buscarini
Coordinación de producción: Cecilia Geler y Julieta Milani
Jefe de Producción: María Vacas
Asistente de Dirección: Carlos Jaureguialzo
Fotografía: Miguel Abal
Dirección de arte: Maria Salinas
Vestuario: Guadalupe Jiménez
Montaje: Enrique Angeleri
Música: Mariano Núñez West
Sonido: Sebastián González
Casting: Bárbara Keen
Maquillaje: Alberto Schuster
Peinados: Alberto Schuster

Exposición colectiva de escultura

domingo, 27 de junio de 2010

SESIONES LÚDICAS


El Centro Cultural CAFAE-SE “José María Arguedas” y la revista web ArteCorpus invitan a usted a la inauguración de la muestra  escultórica Sesiones Lúdicas a realizarse este jueves 1 de julio de 2010 a las 19:30 horas en el Centro Cultural CAFAE-SE.





 

Sesiones Lúdicas reúne a cuatro escultores jóvenes provenientes de las ciudades de Lima y Trujillo con un tema en común: el rememorar la infancia a través de sus obras, lográndolo mediante un lenguaje plástico cargado de  fuertes dosis de imaginación quienes reinterpretan   la realidad del entorno creando piezas  originales y en diversos soportes como  metal, madera y piedra.

 Estos cuatro escultores, Angeline Barnandas (Lima), Valdemar Castillo (Trujillo), Sandro Capcha (Lima) y Mario Amorós (Trujillo), son egresados de la Escuela Nacional de Bellas Artes de su ciudad y vienen realizando exposiciones a nivel nacional como internacional.

La muestra estará abierta al público hasta el 18 de julio, de lunes a domingo de 9:00 am a 9:00 pm en la galería No Galería del Centro Cultural CAFAE-SE, ubicado en la Av. Arequipa Nº 2985, San Isidro (a dos cuadras de la Av. Javier Prado).

INGRESO LIBRE.

Agradecemos su publicación y difusión.




ArteCorpus
www.artecorpus.info
artecorpus@hotmail.com


Centro Cultural CAFAE-SE “José María Arguedas”

Av. Arequipa 2985
San Isidro.
442-4422 / 442-0065 / 442-0100
prensacultural@cafae-se.com.pe
www.cafae-se.com.pe/cultural

Identidad Cultural

jueves, 13 de mayo de 2010

COMUNICACIÓN Y REDES SOCIALES EN LOS DIÁLOGOS INTERCULTURALES

El 20 de octubre del 2009 la UNESCO presentó el “Informe mundial para invertir en la diversidad cultural y el diálogo intercultural” a fin de aportar clarividencia en el tema de las identidades culturales, términos manoseados en muchas campañas políticas pero que pocas veces tiene un papel decisivo dentro de los lineamientos estatales.




Uno de los temas alarmantes en los últimos acontecimientos de nuestra historia mantiene la atención en  los conflictos bélicos sucedidos entre naciones, guerras que se han mantenido  durante el tiempo debido a la intolerancia de sus diversidades culturales, tanto internas como externas; así también es preocupante la poca inversión pública en promover y desarrollar políticas educativas para salvaguardar identidades culturales de sociedades minoritarias, contando caso sea necesario, con herramientas de traducción y plurilingüismo, siendo éstas últimas una de las recomendaciones que la UNESCO ha propuesto para la protección de lenguas tradicionales.

Es importante tener en cuenta  dos términos que se expresan tácita o explícitamente durante el informe que son  civilización y mundialización. Para separar de las definiciones políticas, científicas o sociales, la UNESCO considera al primero como un proceso en curso de construcción, encaminada a conciliar todas las culturas del mundo sobre la base del reconocimiento de su igualdad, mientras que la mundialización es el proceso multidireccional que comprenden circulación, cada vez más rápida y de mayor volumen de todo (se engloba economía, cultura, personas, etc.) por ejes que cambian constantemente.

Al observar esos términos nos llevan a repensar el tema de la comunicación como un complemento para difundir  las diversidades culturales. Se ha señalado en el informe que las crecientes redes sociales cambian el modo de ver y divulgar productos culturales en generaciones jóvenes que pueden ser beneficiosos o no, produciendo sea en el último caso, un síntoma de pseudo identidad  dando lugar a “falsas diversidades” enmascaradas en sectas o membrecías a ciertos grupos virtuales. Más allá de esto, se señala a las nuevas formas de comunicación como un canal opcional para difundir opiniones de grupos minoritarios que contrapongan a las editoriales de los sectores de poder. La inclusión de la diversidad cultural en los temas de producción de contenidos es uno de los objetivos que la UNESCO propone insertar en una política comunicacional del estado.

Es interesante observar la postura que mantiene la institución respecto a los medios de comunicación y los efectos culturales sin embargo considero que al ser un tema demasiado cambiante, se incorpore como  parte de una política de diálogo entre organismos privados  y públicos donde participe la sociedad civil y así plantear objetivos de interés común.

El concepto de "cultura" bajo la mirada postmoderna

martes, 27 de abril de 2010

En un documento obtenido de la OEI, la licenciada Nera Gonzales plantea  el término de la cultura bajo  planteamientos elaborados de humanistas como Alvin Toffler, Alfons Martinell y Martin Hopenhayn principalmente, quienes plantean una mirada histórica y la problemática en el campo cultural Iberoamericano.





En estos planteamientos, la definición de la cultura viene sostenida desde el punto  de vista postmoderno donde rechazan las posturas fundamentales que se mantuvieron a lo largo del siglo XX. Esto es, modificar el planteamiento sobre la que el hombre debe dominar la naturaleza. El sentido de suprainteligencia de la tierra se distingue en los fenómenos climatólogicos y cataclismos anunciados por diversas organizaciones del medio ambiente, prosperando la idea de relaciones entre Naturaleza y Cultura. Nociones que se mantendrán como eje activo durante el Siglo XXI. Sin embargo, estos conceptos son aplicables, en el contexto urbano, a través de políticas públicas culturales, donde el agente cultural interviene junto a gobiernos locales, regionales o estatales en la formulación y aplicación de ellas.

No es menos importante la definición de multiculturalidad, que señala la visión del “otro” como identidad y tolerancia. El “otro” tomado como culturas no hegemónicas en una sociedad, impulsando su legitimidad y valorización. Creando diversos modelos políticos que contribuyan en ventajas económicas a la comunidad sin agraviar las identidades que enriquecen su cultura.

La UNESCO como principal organismo regulador en el campo cultural, se ha expresado desde 1988 en definiciones que propugnen nuevas miradas hacia este campo,  es decir, que a través de los marcos referenciales lanzadas por la organización se adopten medidas de corte político, económico y social de la cultura en el país firmante.

Son muchas las acepciones que se pueden extraer de la teoría y práctica en la gestión de políticas culturales, sin embargo, como parte integrante de una comunidad seguiremos reformulando nuevas definiciones que nos lleven a armonizar aristas que aún mantenemos.

Waytay, un espectáculo multicultural de música y danza

lunes, 26 de abril de 2010

LOS NIÑOS DE LA TIERRA

Recientemente, un grupo de niños vienen presentando un homenaje a la tierra, siendo el Centro Cultural de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos escenario de la puesta en escena de “Waytay, sembrando nuestro futuro”, un espectáculo que reúne la danza, teatro y música dirigida por Alcides Alipio, joven bailarín y director del Elenco Infantil de Folclore de dicha universidad.



“Waytay” ha reunido en escena a treinta niños de diferentes edades con dos propósitos: mostrar los cambios que está sufriendo la tierra debido a la contaminación ambiental así como divulgar y proteger la multiculturalidad de nuestro Perú, a través de la adaptación de diferentes danzas peruanas, alternándolas con música y teatro resultando un espectáculo colorido, entretenido y de mensaje claro.

La música que se desarrolla en la obra es interpretada tanto con instrumentos reciclados como tradicionales del sur andino, transcurriendo entre escenas, imágenes que realzan el contenido de la función.

El artífice de esta obra, Alcides Alipio, nos confirma que se realizarán nuevos espectáculos, siempre con un tema reflexivo, durante los próximos meses, esta vez contando con un elenco adulto.

Waytay se continuará presentando durante los próximos domingos de mayo, exceptuando el segundo del mes, por ser día de la madre, en el Auditorio del Centro Cultural de la UNMSM –Casona de San Marcos- ubicado el parque universitario.






MÁS INFORMACIÓN:
Hora: 4:30 p.m.
Costo: S/. 5.00 nuevos soles.
Lugar: Av. Nicolás de Piérola 1222 – Centro Cultural de San Marcos.
Teléfono: 427-7351

Cuando Florianópolis se desviste: un Museo en Brasil

lunes, 15 de marzo de 2010

CASA MUSEO VICTOR MEIRELLES

Cuando leemos acerca de Florianópolis nos imaginamos las paradisíacas playas de Jureré o Canasvieiras, sin embargo, en una de las plazas más antiguas de la ciudad se ubica -casi escondida- una casa museo que perteneció a uno de los pintores más famosos del Brasil decimonónico de Pedro II y que paradójicamente, acoge en sus salas, exposiciones contemporáneas con un lenguaje muy conceptual.



La ciudad de Florianópolis del Estado de Santa Catarina, al sur de Brasil en cuyo paisaje se aprecian lagunas, dunas y pequeñas islas que se extienden por todo el litoral, conserva su arquitectura proveniente de la colonización de los portugueses de las islas Azores y que -a lo largo de toda la costa- nos muestran una serie de fortalezas, construidas para evitar la invasión de los españoles y los holandeses de los siglos XVI y XVII.

En el centro de Florianópolis, las callejuelas, casas típicas, iglesias y museos son parte del escenario urbano así como el antiguo palacio del gobierno (Museo Cruz e Souza), el Mercado Público, construido en 1898, la higuera centenaria que a la sombra de ésta se comercializan productos alimenticios y artesanía local y también la casa donde nació Victor Meirelles, uno de los autores que retrataron la primera misa rezada en Brasil.

El museo Victor Meirelles se encuentra incorporado dentro del IPHAN (Instituto de Patrimonio Histórico-Artístico Nacional), como Patrimonio Nacional, desde 1950. Guarda el estilo luso-brasileño arquitectónico de fines del siglo XVIII, donde era común utilizar el primer piso para el comercio mientras que el segundo servía de vivienda. Esta casa era utilizada como taller y a la vez servía para vender las obras del padre del artista: Antonio Meirelles de Lima.

La primera misa en Brasil

Nacido en 1832 en la ciudad de Nuestra Señora del Destierro (actualmente Florianópolis), Víctor Mereilles de Lima, hijo de inmigrantes portugueses pasó su infancia bocetando paisajes de su isla.

Su vocación precoz fue estimulada por las autoridades de la ciudad, quiénes le otorgaron una beca destinada a seguir estudios en la Escuela Imperial de Bellas Artes en Río de Janeiro.

A los veinte años con su obra "São João Batista no Cárcere" (San Juan bautista en la cárcel) en 1852, recibe como premio un viaje a Europa. Al retornar a Brasil obtiene el título de caballero de la orden de la Rosa, nombrándolo profesor de pintura de la Academia.

A partir de entonces se torna en uno de los mayores exponentes de las artes plásticas del Brasil del siglo XIX, dejó un extraordinario conjunto de obras, minuciosos esbozos en papel y óleo sobre tela. Una de sus obras más destacadas fue A Primeira Missa no Brasil (La Primera Misa en Brasil) realizada en la antigua capital del Imperio, Río de Janeiro, el 22 de febrero de 1903.

Meirelles hijo fue un pintor reconocido del medio por su estilo siempre acorde a las corrientes artísticas europeas como el neoclásico y romántico. Es justamente con la obra La primera misa en Brasil, que toca el tema histórico de la llegada de los portugueses al país. Esa misma obra sorprende en el Salón de París de 1861 porque es la primera vez que un brasileño se presenta en una exposición internacional de mucho prestigio en el campo artístico. Murió en 1903, catorce años después que el país se volvió República. A finales de su vida la gloria se le había desvanecido con las nuevas ideas revolucionarias tanto en la política como en la pintura de fines de siglo, atravesando de manera pobre y enfermo sus últimos días.

La Casa de Víctor Mereilles cuyo estilo es típico de finales del siglos XVIII, es una construcción luso-brasileña de fachadas sencillas y casas de dos pisos. Se encuentra ubicada a una cuadra de la plaza XV de Noviembre, cerca a la Alfándega (antigua aduana marítima de la ciudad). Actualmente se expone una muestra permanente de las obras del artista en el segundo piso de la casa-museo mientras que en el primero se exponen artistas contemporáneos. No se pierdan una visita hacia allá cuando den un paseo por Floripa.

Posteado por ArteCorpus Eibby Rosillo

***
Dirección: Rua Victor Meirelles Nº 59. C.P: 88010-440 Florianópolis – Sc
Teléfono: (+55) 48 - 3222-0692
E-mail: museu.victor.meirelles@iphan.gov.br

Desde los Aymaras hacia Alemania

lunes, 1 de marzo de 2010


REYNALDO ARI APAZA "K'AKACHI" EXPONE EN BREMEN

Muy pocos en Latinoamérica conocen la obra de K’akachi quién es limeño de nacimiento pero con unas fuertes raíces Aymaras. Forjó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Lima, graduándose en 1989 con la especialidad de Dibujo y Pintura. Ari ha trabajado siempre sus obras abstrayendo la iconografía prehispánica, asociando la musicalidad de los instrumentos andinos de una manera estilizada que convierte sus temas en expresivas obras de mucho color.


El diálogo musical está presente en la mayor parte de sus obras. Se produce entre los instrumentos de viento como el siku y la percusión. Al observar estas imágenes nos recrea una sensación intimista pero a la vez muy expresiva. Los rostros en forma de pez que caracteriza a sus personajes forman parte de la memoria colectiva de los pueblos tradicionales, invocando la temática andina en todos sus aspectos.

Los soportes que Reynaldo suele utilizar no se escapan de la creativa composición de sus obras. Suelen ser pedazos de madera o piedra, además de los tradicionales lienzos.

Desde hace dos décadas viene desenvolviendo su arte en Italia, España y Alemania, residiendo actualmente en Bremen. Llegó becado en Alemania para 1988 retornando para quedarse cinco años después. Se casó con una alemana de la quien se encuentra separado.

Él ha obtenido una notable presencia en las galerías de arte europeas siendo un ejemplo la exposición que viene realizando desde enero en la galería Havanna de Bremen, titulada “Pachamama” y donde este 6 de marzo realizará una conferencia de prensa entre diversos medios locales. Esta exposición permanecerá abierta hasta el 20 de marzo.

K’akachi es un pintor que ha sabido reunir diversos aspectos formales de la tradición peruana en sus obras, un artista migrante sin precedentes en la vida cultural europea que ha sabido integrarse,sin mermar su autenticidad, dentro de un ambiente urbano descontextualizado de su cultura originaria.

Eibby Rosillo

Más información:

Reynaldo Ari K'akachi
Wiesbadener Straße 42
28199 Bremen
Telefon 0421 - 8492889
www.kakachi.de

GALERIE HAVANNA
Kim Hedeler e.Kfr
Alte Hafenstraße 20
28757 Bremen
Tel. 0421 66 39 88
Fax 0421 65 20 200
www.galerie-havanna.de

Noticia - Convocatoria

lunes, 15 de febrero de 2010


CONVOCATORIA

ARTECORPUS 2010

Si disfrutas de una buena película o una obra de teatro, te gustan los conciertos, la buena música y no te pierdes de ninguna exposición de arte.

Esta es tu oportunidad de escribir acerca de diferentes eventos culturales y publicar tus investigaciones en nuestra revista web ArteCorpus.

Forma parte del arte y únete a nuestra red de colaboradores. Si eres profesional o cursas los últimos ciclos de las carreras de Comunicación social y/o Historia del Arte, te gusta investigar y sabes redactar, tendrás oportunidad que tu artículo aparezca en las publicaciones de la revista además de recibir una constancia de prácticas pre profesionales. Envíanos tu currículum junto a dos textos que hayas escrito recientemente a: artecorpus@hotmail.com .

www.artecorpus.info es la primera revista web de arte en el Perú y está en el medio desde el año 2006, realizando no sólo publicaciones bimestrales, sino también exposiciones artísticas por lo que es reconocida en el ambiente cultural.

No pierdas esta oportunidad y contáctate con nosotros. Te estamos esperando.

ArteCorpus.info

Noticia- Daros Latinoamérica en Brasil

martes, 9 de febrero de 2010

LA COLECCIÓN DAROS – LATINOAMERICA EN BRASIL

Radicada en Zúrich, Suiza, Daros es la colección de arte contemporáneo más importante que tiene Europa y ahora está por abrir un espacio cultural–Casa Daros- en Río de Janeiro donde ha creado expectativa y propone un espacio de discusión, reflexión y análisis del arte contemporáneo latinoamericano.
Por Eibby Rosillo.

Actualmente Daros cuenta con tres importantes colecciones de arte americano: Daros Collection, orientada al arte norteamericano de pos guerra; Daros-Latinoamérica, que desde el 2000 viene agrupando a una serie de artistas contemporáneos de América Latina de los últimos veinte años y Daros Contemporáneo, que reúne y promueve el arte joven europeo.
Adicional a la colección se viene desarrollando el programa Daros Art Education que promueve acercar el arte contemporáneo a la gente y dirigido al público joven.

LA HISTORIA

Daros como colección, comienza su historia en los 80’s con la recopilación que hizo Alexander Schmidheiny junto a Thomas Ammann de una copiosa adquisición de arte norteamericano entre las corrientes como el pop art, expresionismo abstracto, minimalismo, entre otras. Luego de la muerte de Alexander, la colección pasa a manos de su hermano menor Stephan, quien es creador también de la Fundación AVINA, para administrarla y gestionarla formando una empresa especializada en arte llamándola Daros. Es en el año 2000 que forma la colección latinoamericana que a la actualidad cuenta con cerca de mil obras de más de cien artistas, entre ellas de los argentinos Guillermo Kuitca y Julio Le Parc, el mexicano Carlos Amoraes, las colombianas Maria Fernanda Cardoso y Doris Salcedo, los brasileños Mira Schendel, Lygia Clark, Antonio Dias, Waltércio Caldas, Mario Cravo Neto, Hélio Oiticica; los cubanos Tania Bruguera y Juan Carlos Alom, entre otros.

CASA DAROS EN BRASIL

En este año, 2008, está proyectado la apertura al público del espacio cultural denominado Casa Daros. Se encuentra ubicado en un antiguo edificio que primero fue un Recogimiento de Huérfanas en el siglo XVIII y posteriormente pasó a ser el Centro Educativo Santa Teresa hasta que en el 2005 fue conocido como el Colegio Anglo-Americano.
Ubicada al lado de lo que fue el Hospicio Pedro II, en la calle General Severiano 159, del barrio Botafogo al sur de Rio de Janeiro, la arquitectura ocupa diez mil ochocientos metros cuadrados y posee dos amplios patios internos. De estilo neoclásico, el edificio fue planeado por el arquitecto de entonces Francisco Joaquim Bethencourt da Silva y pertenecía a la Santa Casa de la Misericordia, institución hospitalaria que para 1868 había fundado el recogimiento de huérfanas donde las acogían llegando incluso a otorgar un dote a sus protegidas.
Adquirido por 16 millones de reales (cerca de $ 9, 657,193) Actualmente ha sido restaurado y rediseñado por el arquitecto Paulo Mendes da Rocha donde la Casa Daros ubicará las diferentes expresiones artísticas contemporáneas, así como tendrá espacios para “promover charlas, cursos, talleres, visitas guiadas y publicaciones especiales. Habrá también una programación audiovisual, educativa, destinada a los más variados grupos de personas, y de investigación, que quedará a disposición de todos” como menciona en la web de la institución.
Se encuentra actualmente dirigido por Eugenio Valdés Figueroa e Isabella Rosado Nunes.



Para conocer más de la colección Daros-Latinoamérica pueden ingresar a la web de la institución: www.daros-latinamerica.net.
Dirección: Rua General Severiano 159, Botafogo . Rio de Janeiro – Brasil. CEP: 22290-040
Teléfono: +55 21 22750246

Entrevista a Félix Morán.

domingo, 7 de febrero de 2010

El único artesano de mullus en Tumbes

Los mullus, aquellas esculturas pequeñas hechas en la concha Spondyllus Princeps, eran objetos de comercialización en el Perú antiguo y sólo se producían en las zonas de aguas cálidas como Ecuador, llegando hasta las costas de Tumbes y Paita. Actualmente queda sólo un artesano que trabaja estos objetos en la ciudad de Tumbes: Félix Morán. ArteCorpus llegó hasta la provincia de Tumbes, frontera norte del Perú, donde conversó con él.

Por: Eibby Rosillo

ArteCorpus: La Municipalidad de Tumbes tiene contactos de varios artesanos tumbesinos que pertenecen a agrupaciones distintas, existen así unos siete aproximadamente, ¿usted pertenece a alguno de ellos?

Félix Morán: No puedo pertenecer a ningún grupo porque ellos comercializan sus productos y yo no, yo los hago con otro fin. La gente no me entiende cuando yo digo que la cultura no se debe traficar. En la actualidad todo es dinero, todo es comercio y pensar diferente a uno lo toman como egoísta, excéntrico. Espero que con el paso del tiempo la gente entienda que quiero cuidar las cosas.

AC: Considerando su opinión, ¿qué otro tipo de actividad realiza que le permita sustentarse?

F.M: Soy mecánico, trabajo en suspensión en moto. Pero le dedico tiempo a la poesía y artesanía.

AC: ¿Trabaja en conjunto con un organismo?

F.M: Sí, trabajo con el CEPAL, Centro Ecopaleontológico. Con ellos he profundizado más sobre el mullu. Yo ya hacía trabajos en mullu cuando entré a este centro y me ayudaron a seguir investigando. Es ahí que me doy con la sorpresa que mi trabajo es idéntico al de Cabeza de Vaca. Trabajo con ellos hace 10 años aproximadamente. Somos un grupo de doce personas honestas.

AC: ¿Desde hace cuánto tiempo viene trabajando en el tallado de mullus?

F.M: Desde los 37 años, hace 15 años atrás. Inicié de manera espontánea después de asistir a una exposición de objetos tallados de la cultura Tumpis y me impactaron mucho, así que dije: yo también puedo hacerlo. Hasta la actualidad vengo tallando ya una regular producción.

AC: ¿En Tumbes no hay artesanos que trabajen el mullu?

F.M: Pues sí, no lo hay. Cuando yo comencé a trabajar muchos creyeron que me estaba volviendo loco en el sentido que buscaba una piedra, concha o cualquier resto para trabajar. Ahora ya me conocen y saben que me gusta. Soy el único que trabajo el mullu. Trabajo como investigación. Desde cómo se empieza el tallado y corte de la concha hasta la culminación de la imagen.

AC: Cuál es su tema favorito al trabajar el mullu?

F.M: Rescato las formas prehispánicas que se trabajaron en la cultura Tumpis. Hago también algunos de mi creación pero mis intereses abarcan el rescate de lo antiguo con la producción de diseños antiguos.

AC: ¿Tiene alguna colección de mullus prehispánicos?

F.M: No. Se debe reconocer la labor que realizó doña Tranquilina Guerra Saldarriaga, quien recogió por más de cincuenta años el mullu que existía en el taller prehispánico de Cabeza de Vaca, perteneciente a la cultura Tumpis, en el distrito de Corrales.

Dada la cantidad de mullus que existen y la secuencia e imágenes inconclusas, da la idea que hubo un taller de cientos de hombres reunidos trabajando. Existen imágenes con aves en secuencia de vuelo, etc. Ella tuvo una enorme colección de estas pequeñas esculturas. Lastimosamente fueron llevadas por Manuel Peña Ruiz y la colección se encuentra ahora en su poder. Los herederos de la señora Guerra han intentando rescatarlo pero este señor se ha desentendido. Yo he rescatado la temática de esa artesanía y en la actualidad lo utilizo con fines diversos, para profesores, alumnos, pero no vendo, cada una que hago me la voy quedando.

AC: ¿Las tallas que realiza en mullu los trabaja con qué instrumento? ¿Ha llegado a encontrar algún instrumento mejor o rescata el trabajo con instrumentos antiguos?

F.M: Hay que pensar como pensaban antes. Si pensamos con qué material lo hicieron observamos las diferencias de elaboración. Ellos utilizaron las lascas, pedazos de piedra que remplazan los cuchillos con las que cortaban las conchas. Yo hago mis propias herramientas, mis propias lascas y las voy condicionando. Recreo mis herramientas a la usanza de esa época y trabajo el mullu con ellas.


Corte de concha Pata de Burro con lasca de piedra


AC: ¿Cuál es la mayor dificultad que ha encontrado al momento de tallar en la concha?

F.M: El material en sí. Es como la piedra, porque cuando inicié con el mullu también estaba tallando la piedra y encontré la misma resistencia en ambas. Eso depende de la valva. Cuando es joven o adulto, igual que la piedra, piedra blanda o dura. Trabajo más en la concha Pata de Burro. En la actualidad una valva de Spondyllus está costando 50 soles. Las más pequeñas están entre los 20 soles. Hay de diversos colores de Spondyllus: rojo, amarillo, azul, lila. ¿Te imaginas cuánto costaría una imagen así tallada a mano?

AC: ¿Existe diferencia entre tallar una concha Spondyllus y la concha Pata de Burro?

F.M: Depende del material. Hay dos especies: la cristalizada y la que no lo es. También depende del tiempo. Es variado.

A.C: ¿Cuánto tiempo le toma hacer un mullu?

F.M: Depende de la figura. Lo máximo en una talla grande de 5 o 7 cm en mullu son 30 horas. Mientras más joven es la concha, más fácil de tallar. Mientras más antiguas demandan más esfuerzo.

A.C: ¿No ha creado ningún taller?

F.M: Me han ofrecido pero no he hecho. ¿Por qué? Yo no enseño porque después quién se lleva el mérito. Por ejemplo, que me paguen para enseñar a cuarenta alumnos, de estos cuarenta supongamos que diez tienen plata y a estos diez los van a contratar para investigación y luego a mí ya no. Comercializarán con la cultura que yo enseño. Además no tengo los medios para sostener un taller de mullu.

A.C: ¿Ha hecho exposiciones con su trabajo?

F.M: En Tumbes he hecho muchas exposiciones, en la Plaza de Armas sobretodo, próximamente voy a hacer una exposición en la Feria de la miel de abeja, no sé cuándo aún, sé que es en estos meses, pero la Municipalidad lo está organizando. Fuera de Tumbes no he tenido exposiciones. Aquí no hay mucho apoyo de la Municipalidad.


Ave. Mullu de 2 cm aprox. Concha Spondyllus



AC: También mencionó que hace poesía, ¿cuánto tiempo lleva haciéndolo?

F.M: Sí, tengo varios temas inéditos, tres concursos a nivel nacional. En la universidad de Santa en 1988 obtuve el tercer lugar, fue antes que me dedique a tallar. Tengo mención honrosa en Chiclayo. Actualmente pertenezco a la Casa del Poeta de Tumbes.

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Artesano: Félix Morán Davis.

Dirección: Hipólito Unanue Nº 345. Tumbes - Perú.

Teléfono: (+51) 072 526057

Dirección CEPAL: Jr. Abad Puell Nº 967. Tumbes - Perú.

Teléfono: (+51) 072 525324

Entrevista a Kiko Mayorga

sábado, 6 de febrero de 2010

BLIP: Tecnología y arte

Proyectos orientados a la reflexión y crítica de la tecnología en el arte son presentados por BLIP: Robótica y Reciclaje del reconocido artista electrónico Kiko Mayorga, muestra que se expuso para noviembre de 2008 en el Centro Fundación Telefónica, con quien platicamos en la siguiente entrevista.

Kiko Mayorga junto al curador Jorge Villacorta

A.c: ¿Cuál es el objetivo de BLIP? ¿Qué es lo que buscas?

Kiko Mayorga: Me parece que lo más valioso de hacer este tipo de trabajo es que los creadores “vuelen” en cuanto a su percepción de la tecnología. Cómo la tecnología afecta sus vidas; es algo que ellos pueden transformar según sus objetivos y experiencia.

Con la información la tecnología se democratiza, se acerca a las personas. Es algo que se está volviendo parte de tu vida, utilizas todo tipo de dispositivos electrónicos para comunicarte, para chatear, para mandar mensajes de texto, e-mails, etc. La gente poco a poco puede empezar a entender los dispositivos electrónicos y modificarlos o proponer fácilmente funciones alternativas.

A.c: ¿Cuál es el planteamiento teórico-artístico que estás formando en esta exposición?

Kiko Mayorga: Es ya típico del arte explorar nuevas herramientas. La ciencia por lo general no piensa cuál es la función de la técnica, el arte generalmente no comprende a la técnica pero piensa en la función de esta, por ejemplo, al construirse la primera máquina de fotos, el arte comienza a cuestionarse si los cuadros van a perder su vigencia, ya que no tiene sentido representar la naturaleza visualmente de manera fiel, porque la cámara de fotos lo hace mejor que cualquier mano. El arte se asoma así a la vanguardia de nuevas herramientas, explora alternativas sobre arte y tecnología.

En los 90’s en Alemania aparece el primer centro de investigación sobre arte y tecnología, allí empiezan muchos científicos e ingenieros a explorar las realidades. Esto sucede también en el boom de las computadoras personales, las Interfaces o dispositivos mediante los cuales tú interactúas con un sistema. Una pantalla, un teclado , el mouse y el joystick son interfaces.

El arte por su parte explora nuevas interfaces, por ejemplo sensores como pantallas sensitivas al tacto para generar interacciones de diversos tipos. El título, que abarca todo esto, es: “Los nuevos Medios”. En los últimos 10 años hay un gran auge en la difusión de nuevos medios en la producción de obras, es decir ordenadores, interfaces, trabajo con sonido sintético, animación, también producción visual generativa.

Aparecen reflexiones sobre los nuevos medios y propuestas de comunicación que revisan sus posibilidades.

A.c: ¿Cuál fue el motivo de traer a artistas internacionales en la primera parte del proyecto?

Kiko Mayorga: Son artistas exponentes del arte electrónico, ¿Por qué traerlos de afuera? Porque acá no hay suficientes trabajos para una muestra, si hubiese arte electrónica en Lima, se expondría. Se trae a los artistas de afuera porque hay que mover un poco a la comunidad, ponerles ideas de ímpetu para que creen.

A.c: ¿Entonces esta muestra es previa a lo que veremos en marzo?

Kiko Mayorga: Exacto. I/O es la primera parte, donde que se expusieron trabajos ya terminados, por ejemplo hay un trabajo mío, una impresora que tira papelitos. Era un autómata que estaba en la red buscando información, lo imprimía y lo tiraba. Ganó un premio en una versión parecida el año 2004 en España.

La tercera etapa pensada para BLIP, después de I/O era una exposición de robótica pero de artistas locales. Aquí no hay mucha gente que trabaje robótica, no existen esos trabajos, entonces vamos a reunir gente afín para que en grupo suelten sus ideas y vayan puliendo propuestas conceptuales. Hay un chico que quiere hacer un basurero que persigue a la gente incentivándola a botar la basura; otro quiere hacer una especie de bache que se coloca en la pista, cuando pasan los carros lo aplastan y se genera electricidad, es un bache pensado para que los ambulantes puedan energizar sus carritos de sándwiches o exprimidor de naranja, funcionan como generador eléctrico para sacar electricidad de la energía potencial del auto.

Alexandra Bianchi quiere convertir imágenes de tránsito en tiempo real en música, Cuando hay un atracón de carros hay cierta música y cuando los carros fluyen hay otra. Transformar una realidad en una representación sonora. Otro artista quiere construir una máquina que a partir de los latidos de tu corazón empiece a construir objetos en 3D.

Mi trabajo es escuchar las propuestas. ya sea contemplativa , analítica o emocional sobre la convivencia con la tecnología. Lo más importante para mí es que haya una reflexión sobre la tecnología. Son ejercicios asistidos, y asesorados para obtener ideas que tienen contenido.

A.c: ¿Qué impacto crees que va a tener las propuestas en el público?

Kiko Mayorga: El público puede ver la libertad con la que los creadores desnudan, voltean, contemplan, proponen la tecnología.

Lo que espero es que esta muestra despierte la curiosidad por reinventar la tecnología según las propias vivencias, que sean conscientes de cómo afecta la vida.

Por ejemplo cambias tu cuenta de Hotmail a Gmail y antes de repente usabas Terra. Tienes tres cuentas de correo, entonces tu identidad se fragmenta, eso sucede cuando uno es consciente de lo que implica que estés creando cuentas y cuentas de correo que a la larga te puede traer problemas.

A.c: ¿Qué conclusión sacaste de la primera etapa de BLIP, que ahora encuentras y refuerzas hasta llegar a la tercera?

Kiko Mayorga: Una conclusión importante que compartí con Jorge Villacorta, con el que estoy haciendo la curaduría, es que curiosamente en el Perú se consume un montón de tecnología, hay miles de cabinas de internet, la red está creciendo, es terreno fértil.

Y no hay que tenerle temor, es importante que la gente joven sea consciente que es un ser humano adaptado a la tecnología y que puede hacerla parte de las herramientas que maneja.

A.c: algunos artistas dicen que no se adaptan al uso de tecnología ya que al utilizarla su obra pierde esencia. ¿Qué opinas de esto?

Kiko Mayorga: Eso es depende de lo que quieres transmitir. Tienes que ser un poco abierto a usarla, verla, entenderla, conocerla, estar al día de lo que hay. Además para mí esto es investigación interdisciplinaria, creatividad, curiosidad, comunicación, creación, no necesariamente es arte.

Es un laboratorio más que un taller de arte. No importa al final la etiqueta, lo que queremos es explorar. Es más, a mí me asusta la palabra arte, me molesta porque hay mucha gente que tiene temor de contemplar una obra de arte, hay muchos artistas que hacen obras que no se entienden y hay público que se siente inculto a la hora de ver una instalación.